Intercambio cultural via Internet - Oportunidades y Estrategias
Foro de la Casa de las Culturas del Mundo, Berlín
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Sumario del debate: septiembre - diciembre de 1999
(Versión para impresión)


Contenidos:

Consideraciones preliminares

Temas discutidos:

- Se encoge la red?
- Sitio web en común / Lista de enlaces del Foro
- Proyectos presentados, intercambio de información  (vea también la lista)
- Acceso a Internet
- Televisión e Internet
- Los artistas y el uso de la red
- Responsabilidad frente a los no-conectados
- Libertad del arte / Democracia
- Discusión sobre »Sensation«
- Logro de atención / Estrategias de marketing
- Artistas, libertad, deberes cívicos
- Censura
- Circuito de arte, mainstream - minorías
- El sistema de museos
- Curadores, interpretación de otras culturas
- Curar y exhibir en el WWW
- Arte chino
- Esencia del arte

lista de enlaces: proyectos presentados, informaciones



Consideraciones preliminares

A finales de septiembre, la actividad del foro se incrementó en forma repentina. Entre septiembre y diciembre de 1999 llegaron 396 contribuciones de 66 autores. Esta enorme cifra hace necesario una síntesis más concentrada que la de los sumarios anteriores. Desafortunadamente no es posible rastrear todas las ramificaciones de la discusión o documentar en forma adecuada la ilación de ideas en el debate. Por motivos de claridad, complejos temáticos que en el foro se entrelazaban, se hallan delineados aquí en forma separada. En relación a los diversos aspectos de un tema, sólo pueden ser citadas declaraciones cardinales, por lo que otras opiniones igualmente interesantes pueden quedar sin mencionar. El desarrollo del foro durante este período fue lejos más rico y diverso de lo que este breve panorama puede reflejar.
En la realización de esta síntesis conté con el apoyo de Pat Binder, a quien expreso aquí mi agradecimiento.

Gerhard Haupt, director de proyecto


Indicaciones importantes:
Todas las contribuciones a la discusión entre septiembre y diciembre de 1999 se hallan disponibles en formato de texto (txt) tanto en el sitio web (vea la lista de contribuciones) como también comprimidos en una ficha ZIP (564 kb). A través del link sobre el nombre de cada autor se llega a la ficha (txt) de la cual se ha extraído la cita o en la cual se encuentran declaraciones sobre el respectivo tema. Para regresar al texto principal, utilice por favor el botón de retroceso en el menú de su navegador.
Nótese por favor el derecho de autor de cada contribución. Por declaraciones e informaciones contenidas en los mensajes son responsables los respectivos autores.



Se encoge la red?

En una muy citada nota del periódico Los Angeles Times de 1999 se puntualiza, que si bien la red sigue creciendo en forma acelerada, los usuarios se concentran cada vez más en muy pocos sitios web, las llamadas top-sites, en vez de descubrir nuevas páginas. Gerhard Haupt lanzó la pregunta, si esto es realmente así, o si no es que por la creciente cifra de usuarios se produzcan desfasajes relativos. Qué chances tienen en definitiva sitios web culturales, ahora y en el futuro, para captar la atención de una audiencia mayor, que no hace el esfuerzo de buscar dichos sitios?

Ami Isseroff mencionó motivos por los que considera cierta la afirmación del Los Angeles Times: entre otros cosas, las grandes sumas de dinero que son invertidas en publicidad y en las tecnologías más modernas, frente a lo que editores pequeños no pueden competir; las limitaciones técnicas y la orientación comercial de las máquinas de búsqueda, el cambio en las tipologías e intereses de los usuarios. Dio recomendaciones concretas de cómo incrementar el número de visitas. Chris Drew opinó, que el único camino efectivo para asegurarle a un pequeño sitio web una presencia durable en la red en continua expansión, es construyendo una »community« (comunidad de interesados) y manteniendo vivo ese interés.

Para subrayar el significado del marketing en línea también para sitios web culturales, nombró Gerhard Haupt algunos puntos del estudio de Steve Lawrence y C. Lee Giles (NEC Research Institute) »Accesibilidad y distribución de información en la red«, publicado el 8 de julio en la revista »Nature«, sobre la que está basado el artículo del Los Angeles Times. Comprueba, entre otras cosas, que las 11 máquinas de búsqueda más grandes sólo cubren un 42% de las 800 millones de páginas, existentes en aquel momento.


Sitio web común / Lista de enlaces del Foro

Reiteradas veces hubo intentos de iniciar proyectos comunes entre los participantes del foro (vea la evaluación 1998 : Presentación de proyectos). Esta vez propuso Heidi J. Figueroa Sarriera un sitio web colectivo dedicado a las »posibilidades, estrategias prácticas y aspectos teóricos del uso de Internet en el sector cultural«. En el transcurso del diálogo (también sobre las dificultades al respecto) se llegó al acuerdo de confeccionar una lista de enlaces comunes. Sin embargo, fueron pocos los participantes que enviaron para ello sus sugerencia de links, por lo cual escribió Gerhard Haupt: »Tal vez el intercambio sobre este tema sea más importante que el resultado concreto.« [Vea también Isseroff y Hewison]


Proyectos presentados, intercambio de información

Finalmente se confirmó algo, que ya había sido notado con anterioridad: el proyecto en común es el Foro en sí mismo. A éste pertenecen también las numerosas referencias a otros proyecto, así como los enlaces y recomendaciones de libros que fueron enviados como parte del intercambio continuo de información. En la mayoría de los casos se trata de ejemplos concretos del uso de Internet en el sector cultural y artístico, cuya presentación se halla en muchas ocasiones complementada con comentarios referidos al contexto temático de la discusión del momento.

Estos mensajes llegados entre septiembre y diciembre de 1999 se hallan compilados en una lista especial.


Acceso a Internet

Nuevamente el problema del limitado acceso a la red en muchas partes del mundo fue tema de discusión. Esta vez sin embargo, fueron nombrados más ejemplos de cómo se puede apoyar y promocionar el uso de Internet.

Partha Pratim Sarker envió el artículo »Cuando un módem cuesta más que una vaca« por Shahidul Alam de Bangladesh. Partiendo de una breve retrospectiva en relación a la aplicación de la tecnología y el lenguaje como instrumentos de poder en su país, describe Alam, cómo la agencia Drik ha logrado desde 1994 construir redes y estructuras de información. También otros participantes del foro enumeraron posibilidades de aplicación de Internet en países con infraestructura telefónica escasa.
[Vea entre otros: Isseroff, Schmidt, Sheffield]

Dos meses más tarde mencionó Tom Vincent una iniciativa, que envía equipos de hospital usados a países necesitados, preguntando si no hay proyectos similares en el área de computación y acceso a Internet. Complementando envió luego links de proveedores de Internet sin cargo en Europa y una iniciativa en Gran Bretaña, que entrega a escuelas equipos de computación descartados por la industria.

Josette Balsa recomendó solicitar patrocinios de empresas no como persona privada, sino en nombre de un grupo, mejor todavía, en nombre de una institución o asociación. A la pregunta de Cristina Jadick, si computadoras al igual que teléfonos no podrían ser accesibles en espacios públicos, trajo Susan Marquez un ejemplo de EE.UU. (California) y Anjali Arora uno de la India.


Televisión e Internet

Kim Machan quiso saber, si su expectativa, de que Internet lograría en Asia una difusión semejante a la televisión, era compartida también por otros miembros del foro. A lo cual expresó Susan Marquez: »Esperemos que Internet reemplace a la T.V.« En especial su declaración que »T.V ha probado en muchos aspectos un resultado desastroso. Sólo Internet-televisión puede ayudar a la próxima generación a evitar la limitación perceptual de una vía única«, desató una fuerte controversia.

Ami Isseroff advirtió no dejarse tentar por la suposición de »que la naturaleza del hombre, sus intereses y visión estética son mejores, que lo que indica la televisión,« y la esperanza de »que esto se demostraría si sólo se tornaran hacia un medio interactivo como Internet.« Y añadió: »Es una suposición del siglo XX por excelencia, que los adelantos técnicos cambiarán el contenido de nuestras vidas para mejor... La salvación no vendrá con mejores artefactos.«

Olu Oguibe no estuvo de acuerdo en maldecir a la televisión y argumentó enumerando diversos aspectos negativos de Internet. En contribuciones de otros participantes se examinó hasta qué punto la televisión refleja la vida real o si solamente se halla al servicio de intereses comerciales, lo que es de esperar progresivamente de la red [vea entre otros Isseroff y d'Alpoim].

En relación a este tema se señaló nuevamente el peligro de una homogeneización de la cultura global y de la red [vea Isseroff]. Tim Bigelow señaló, sin embargo, que Internet estaba asociada a una expectativa pluralística y multicultural y según él lo sigue estando. De la misma manera en que se protege la diversidad biológica, hay individuos y organizaciones protegiendo la diversidad cultural. »Sus esfuerzos debieran ser apoyados.«

La idea de Susan Marquez de que con una herramienta como Internet integrada a la televisión uno podría comprobar la validez de las fuentes de información, fue rechazada por Isseroff nuevamente. Marquez también sugirió considerar la posibilidad de trasladar el principio del merchandising de productos asociados a determinadas series televisivas al sector artístico, por ejemplo a través de programas de »Infotainment« de arte y cultura.


Los artistas y el uso de la red

Aún allí, donde ya hay acceso sencillo a Internet, el medio es utilizado por relativamente pocos artistas. Chris Drew calcula que en los EE.UU. probablemente un 90% o más de los artistas no están conectados. Describió también cómo la iniciativa ART-ACT, por él dirigida, toma medidas para cambiar esta situación. Anjali Arora escribió al respecto, que también en la India muchos artistas son reacios a adoptar este nuevo medio. Drew relativizó más tarde lo antedicho, enumerando las desventajas de la computadora frente a las obras hechas »a mano«, calificándola como instrumento elitista para el arte. El mayor provecho de Internet para los artistas se hallaría en primera línea en la posibilidad de dar a conocer la propia obra.

Raul Ferrera-Balanquet envió una larga contribución sobre los problemas con los que se ven enfrentados los artistas en México y América Latina, que desean utilizar el medio Internet. Christy Sheffield Sanford constató paralelos a la situación de muchos artistas sobre todo en el sur de los EE.UU..

Peter Toy cuestionó en relación a Internet, la utilización de la metáfora de una »mente artificial, de la que 'todos' somos parte«. Muchos justamente no son parte, porque les faltan los medios, conocimientos y requisitos técnicos. Y están tomando conciencia de ello como una gran desventaja. Poco antes había expresado Toy la opinión, de que el arte en red es una »institución autoreferencial« y que los artistas de net.art se ocupan demasiado poco de temas como derechos humanos o una »ética global«. En oposición a ello dio Tom Vincent varios ejemplos de arte en red con compromiso político. Escribió que en definitiva en el arte en línea se encuentran los mismos contenidos que fuera de ella.


Responsabilidad frente a los no-conectados

Una y otra vez fue cuestionado hasta qué punto los actores culturales, que desarrollan su labor en Internet, perciben la realidad fuera de la red y con ello reparan en los intereses de los no-conectados, tratándolos conscientes de su responsabilidad. En relación a ésto recomendó Pat Binder el ensayo de Olu Oguibe (miembro de nuestra lista) »La red y el destino de los no conectados«, publicado en la revista electrónica alemana Telepolis, el 6 de diciembre de 1999. En él expone Oguibe, entre otras cosas, la problemática de que los no-conectados están excluidos hasta de las discusiones en la red, en las que se tratan sus propias condiciones de vida. »Como consecuencia surgen dentro de la red representantes que se apoderan de la palabra de los grupos excluidos. Surgen así voces, que claman para sí la autoridad de hablar por los otros«.

Ami Isseroff se refirió a este posting cuando escribió, que »nosotros« debiéramos aprender a cuestionar nuestra opinión en público, fomentando la reflexión y la comunicación, en vez de promocionarnos a nosotros mismos y »nuestras causas«.

Dos meses antes Gerhard Haupt había lanzado la pregunta, en qué medida la diáspora cultural, que se encuentra hoy en lugares con mejor acceso a Internet, tiene el derecho de actuar en la red como representante y portavoz de todo un grupo cultural.


Libertad del arte / Democracia

Como ejemplo de represión de una labor cultural comprometida trajo Hans Braumüller el caso Humberto Nilo. Envió un escrito (en español) en el cual Nilo detalla su situación [trad. al inglés, vea Pat Binder] e informó sobre una campaña internacional de protesta. Luego de una acción de arte correo para la libertad de la educación artística, perdió Nilo su puesto de profesor y director del Departamento de Artes Plásticas de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.
[Vea también Katz y Braumüller]

Otros participantes vieron paralelos a situaciones en otras partes del mundo. Se mencionaron también las contradicciones entre las aspiraciones democráticas y la realidad en los EE.UU., ampliándose la discusión al tema democracia y libertad en general. [Vea entre otros Ferrera-Balanquet, Zetina, Schiavone, Isseroff, Ferrera-Balanquet]


Discusión sobre »Sensation«

En el contexto del diálogo sobre el caso Humberto Nilo, mencionó Juan José Díaz Infante, que el alcalde de Nueva York planeaba suspender las subvenciones al Museo Brooklyn. Con esto, la exposición »Sensation«, de la que se trataba, se convirtió en el punto de partida de una extensa discusión en el foro. Al principio se tocaron temas como la subvención estatal del arte [vea entre otros, Marquez, Isseroff, Díaz Infante, Drew, Drew, Marquez, Sheffield Sanford, Ellis] y se describió la exposición y la colección Saatchi como un fenómeno de marketing.

En un punto del debate se criticó la fijación sobre Nueva York, a pesar de que el foco del foro debiera estar el intercambio con y entre África, Asia/Pacífico y América Latina [vea Machan, Drew]. Otros participantes alegaron, que miembros de la lista de otras partes del mundo debieran tomar la palabra [Oguibe] y animaron a ampliar la variedad de puntos de vista [Drew]. Como se notaría muy pronto, el intercambio de opiniones se ramificó a partir de allí cada vez más en las más diversas direcciones, haciéndose referencia a fenómenos específicos en otras culturas (por ej. China), así como a cuestiones de interés general, entrelazándose los diferentes temas y aspectos.

Es imposible aquí sintetizar el flujo de la discusión en la brevedad imperiosa, por ello a continuación serán extraídos algunos temas centrales, que en parte también fueron tratados en otro momento, independientes del diálogo sobre »Sensation«.


Logro de atención / Estrategias de marketing

Después de que Christy Sheffield Sanford protestara de que los »chicos malos« del arte reciban más atención que artistas que realmente lo merecen, se discutió sobre este fenómeno en el contexto de los mecanismos de medios y las estrategias de marketing en el sector artístico. Charity Ellis recordó un escándalo semejante hace casi 10 años alrededor del »Piss Christ« de Andres Serrano y opinó, que los »chicos malos« no sólo llaman la atención de los medios sino también la de los políticos, lo que puede a su vez repercutir en el acceso a medios financieros.

Juan José Díaz Infante envió un posting con el provocativo título »Lady D was a prostitute«, en el cual se refirió, entre otras cosas, al arte de despertar el interés, al otorgamiento de subvenciones (con México como ej. entre otros) y a estrategias de marketing en el arte. Gerhard Haupt recomendó al respecto los textos de Michael H. Goldhabers sobre la producción y distribución del arte dentro de los parámetros de una nueva »economía de atención« [publicados desde 1996 en la revista electrónica alemana Telepolis - vea links en el mensaje]. En ellos el autor describe por ej. los esfuerzos que hoy en día se deben hacer, para participar del cada vez más escaso bien llamado atención, y las ventajas económicas de aquellos que han logrado convertirse en »estrellas«.

Pat Binder envió algunos pasajes clave del ensayo de Luis Camnitzer »La Corrupción en el Arte / El Arte de la Corrupción « (publicado en Universes in Universe). En su multifacética reflexión sobre las complicadas condiciones existenciales del artista, preocupa a Camnitzer entre otras cuestiones, la de »cómo utilizar la corrupción sin corromperse«. Binder citó una de sus respuestas: »El dilema no tiene solución y, como consecuencia, me armé una estructura moral que terminé denominando 'cinismo ético'. La esencia de esta posición se basa en la idea de que prostituirse a sabiendas es mejor que prostituirse inconscientemente. En el primer caso es estrategia, en el segundo es corrupción. Como una estrategia me sirve para identificar la línea que se está por cruzar y por lo tanto me permite, hasta cierto punto, la reversibilidad del acto. Limitándose a ser una corrupción producto de la inconsciencia, el acto se ve forzado a desembocar en una retórica justificativa, sin la posibilidad de que uno pueda asumir la responsabilidad de la decisión.«

Francisco Córdoba se refirió a sus propias »estrategias comerciales« y su visión de »cultura, ética y estética« y lo difícil que es a menudo armonizar ambos aspectos. Anteriormente había informado Donna Hand Lee sobre su actividad como consultora de marketing de arte. Parte de su trabajo es asesorar a artistas en asuntos comerciales, para que puedan dedicar más tiempo al proceso creativo.

Tom Vincent fue de la opinión, que »el marketing es parte del oficio de artista. ... La lucha entre las normas del artista y las de la sociedad es una parte vital del trabajo artístico.« Esto le atañe en definitiva a todos. Ami Isseroff expresó su desacuerdo, señalando, que sólo hay que pensar en los artistas que han tenido que trabajar bajo un régimen represivo, o en los científicos, cuyas ideas fueron olvidadas o reprimidas. Reconocimiento en vida no es una cuestión de talento, sino de a menudo sólo de suerte o de energía y habilidad en cuestión de »marketing«.

Kim Machan destacó nuevamente, que el uso de Internet le abre a los artistas interesantes posibilidades de acceso a nuevos canales de comunicación con el público y nuevas redes de contactos. Según ella, marketing tiene que ver en definitiva con el acceso al público.


Artistas, libertad, deberes cívicos

La ira del alcalde neoyorquino Giuliani frente a la exposición »Sensation« estaba concentrada en especial en el cuadro »La Virgen María« (1996) de Chris Ofili, donde el artista había aplicado estiércol de elefante sobre la imagen sacra. En un análisis minucioso describió Olu Oguibe los puntos de partida artísticos de Ofili, desarticulando la automistificación africana del artista nacido en Inglaterra. Detalló además con qué habilidad para la autopromoción Ofili se empeña en conseguir el éxito.

En un texto posterior cuestiona Oguibe la visión de femineidad, en particular de la mujer de color, en el cuadro de Ofili, atacado por algunos y defendido por otros apasionadamente. Se asombra que justamente una representación de este tipo se convierta en »icono de la comunidad cultural en la lucha en contra de la 'intolerancia' estatal y religiosa«.

Especial atención merece un tercer email de Olu Oguibe al respecto. El extenso texto debiera leerse en su totalidad, para no perder nada de la contundente argumentación. Oguibe profundiza su análisis de la estrategia de provocación de Ofili, mostrando la instrumentalización del escándalo en Nueva York. Partiendo de esto critica la actitud insensible y centrada en sí misma que caracteriza al circuito cultural, reprobando además la convicción de que un artista tenga el derecho a »una mayor libertad de expresión que el resto«, lo que califica como el síndrome de »soy-sagrado-porque-soy-artista«. Una idea clave de su reflexión sobre la »relación entre artistas y opinión pública y el estado en general« es la siguiente: »... si bien censura es algo inaceptable, es parte de las obligaciones cívicas del artista como miembro de una sociedad más bien que como un dios, el permanecer sensible a lo que lo rodea, tomando en consideración las variadas sensibilidades del público, en especial si es su intención, acercar su obra a ese mismo público.«

La responsabilidad del artista fue tematizada también más tarde, cuando Britta Erickson describió la influencia que »Sensation« tuvo sobre artistas jóvenes chinos. A pesar de no haber visto la exposición, conocen sin embargo el catálogo, llevando el efecto de shock aún más lejos. »Donde los artistas británicos realizaban instalaciones con animales muertos, los chinos incorporaban cadáveres humanos y animales vivos«. Erickson adjuntó indicaciones en dónde encontrar las respectivas imágenes en la red.

Luego de que Christy Sheffield Sanford rechazara rigurosamente crueldades semejantes, escribió Tom Vincent: »La 'crueldad' es uno de los muchos elementos que demuestran cómo somos los humanos, y por ello un importante recurso para artistas.« El valor adjudicado a la vida individual es diferente en cada cultura. Si bien comparte personalmente los sentimientos de Sheffield Sanford, en lo que se refiere a aquellas prácticas artísticas, es igualmente escéptico respecto de los »humanitarios, no tanto por lo que hacen, sino más bien por lo que a menudo no hacen o dejan de considerar. Antes de emitir un juicio, debemos estar muy seguros de que nuestra posición es realmente la correcta.«

José Tlatelpas también opinó que muchas veces »artistas sin la suficiente maestría, mensaje o contribución estética, espiritual o cultural, tratan de hacer ruido utilizando el recurso del escándalo. Es un medio de generar atención...«


Censura

En relación a este tema, primero se discutió si la intención del alcalde de Nueva York, de recortar las subvenciones del Museo Brooklyn por motivo de la exposición »Sensation« era un acto de censura [vea Díaz Infante y Drew] )] o más bien sólo una intromisión de la política en el arte [Isseroff]. Más tarde inquirió Chris Drew sobre casos de censura en otras partes del mundo, incluyendo preguntas sobre el poder de los curadores, el control estatal y la influencia de la escena artística en »modelos de pensamiento locales«.

Raul Ferrera-Balanquet dio un ejemplo de México y aclaró luego que lo peor es la autocensura de los artistas. Entre Kim Machan y Dianne d'Alpoim Guedes se estableció una breve polémica sobre la situación de Internet en Australia y los efectos de una nueva ley restrictiva de los contenidos de sitios web. Machan también informó que como consecuencia del escándalo en Nueva York fue cancelada la presentación de »Sensation« en la Australian National Gallery. Si bien no fuera en sí censura Fran Ilich quiso ver mencionado en la discusión el aspecto de »exclusividad y exclusión«, ilustrando su punto de vista con el ejemplo del 1er Festival de Cybercultura en Latinoamérica en Tijuana, organizado por los Laboratorios Cinemátik. Francisco Córdoba escribió, que represión es la forma más maligna de censura y dio varios ejemplos.


Circuito de arte, mainstream - minorías

Chris Drew describió la práctica de exposiciones del Uptown Multi-Cultural Art Center en Chicago, en el cual se desempeña, oponiendo ésta al frustrado intento del Chicago Cultural Center de mostrar en 1990 la diversidad de las expresiones artísticas en Chicago, en donde el jurado eligió solamente obras que correspondían a su propio »criterio europeo«. Raul Ferrera-Balanquet también fue de la opinión, que los curadores e historiadores que absolvieron un sistema educativo en los EE.UU. estarían restringidos a »nociones eurocéntricas« sin poder comprender »la complejidad del arte Latino y Latinoamericano«.

En una extensa respuesta puntualizó Pablo Helguera algunos problemas básicos relacionados. A continuación algunas citas de su contribución:
»Desde mi punto de vista la cuestión reside en determinar si nosotros, los administradores culturales, curadores, críticos, artistas y educadores, hemos luchado lo suficiente para estructurar un sistema en el que artistas de minorías puedan integrarse en el diálogo del mainstream sin necesariamente perder su identidad individual o discurso cultural«.
»Hemos creado términos como 'community art', que - con muy pocas excepciones - nunca ha sido tomado totalmente en serio por los museos internacionales y el mundo del arte. En los comienzos del multiculturalismo algunos artistas encontraron que su etnicidad les podía significar becas, oportunidades y exposiciones. Como sea, con el tiempo esto se les volvió en contra, porque fue obvio que estos bienes les fueron otorgados por pertenecer a minorías y no necesariamente por ser buenos artistas«.
Más abajo añadió: »... hemos considerado al modernismo y post-modernismo por demasiado tiempo como conceptos blancos anglosajones, lo que no es cierto en absoluto - como que conceptualismo por ej. ha existido en toda Latinoamérica por décadas. Y aunque fueran conceptos anglosajones, hoy en día todo pertenece a todos, y una apasionante lingua franca (para mí por lo menos) nos permite comunicar visualmente con todo el mundo ...«
»Una última palabra que espero se refiera a toda la discusión alrededor de 'Sensation': el llamado mainstream está para quedarse; es en sí la naturaleza de cada especialidad, no sólo del arte. El arte estará siempre estructurado de tal manera que habrá siempre una minoría mejor informada y una excluida mayoría, que lamentará su exclusión. Todo lo que podemos hacer es entender este proceso y articular nuestro lenguaje y nuestras acciones de manera de poder comunicarnos adecuadamente con los diversos grupos. Y por supuesto que podemos hacerlo: es nuestra labor.«

Chris Drew defendió a los »community artists«, que según él han venido trabajando en sus comunidades mucho antes del advenimiento del término »multiculturalismo«. Al final de su polémico texto escribió: »El 'mundo del arte' no es el mundo. El 'mundo del arte' es un grupo elitista que actúa para sí mismo. Valora el arte, para negociarlo dentro de sus parámetros. No existe una estética unitaria, que explique y mida la calidad por encima de las culturas y las épocas.«

Pablo Helguera volvió a intervenir escribiendo: »... No creo que puedas generalizar diciendo que hay sólo una 'elite' y una 'jerarquía'. La riqueza del arte hoy día se basa en que hay un montón de grupos distintos y un sinnúmero de individuos e instituciones que apoyan diferentes tipos de cosas. Existen miles y miles de artistas que exhiben en innumerables museos y galerías por todo el mundo« ... »Tengo un problema con la teoría conspirativa de que todo el arte patrocinado hoy día es determinado por críticos occidentales ... Si bien es absolutamente cierto que mucho arte realmente válido no ha encontrado aún el reconocimiento que merece, este argumento ha sido utilizado demasiado tiempo por demasiados artistas, que no pueden encontrar sino a quien culpar de la falta de éxito en sus carreras.«
Notable es también su conclusión: »En este momento nadie está en la situación de cambiar el mundo en sus fundamentos. Comunidades, así como elites y otras estructuras seguirán existiendo. Es posible adoptar una actitud anarquista y cuestionar todo. Pero pienso que es más viable entender las realidades en las que vivimos, tratando de desafiarlas con nuestros medios. El esfuerzo debe ser para fomentar el diálogo, no el auto-glorificado aislamiento.«

En una dirección similar reflexionó José Roca. Comenzó afirmando: »El arte tiene que ver con comunicación. Debes acceder a la gente para dar a conocer tus obsesiones privadas, para que puedan detonar algo significante en otra persona...« Mismo el land art, que huía del museo y del mercado, hubiera permanecido desconocido sino fuera por los libros, fotografías e impresiones gráficas. »...Porqué los ataques más virulentos al sistema de museos provienen de Hans Haacke, de alguien que expone en todo el mundo? Todos son conscientes de que la estrategia de virus es mejor: atacar y derrotar desde adentro.... El sistema de exposiciones y el mercado están allí para ser usados, no como fin sino como medio.«


El sistema de museos

En otras contribuciones se trató en forma más explícita el rol de los museos en la política cultural y el sistema de museos como tal. Juan José Díaz Infante nombró dos modelos posibles que podrían producir algún cambio. Pablo Helguera estuvo de acuerdo que las jerarquías establecidas no necesariamente garantizaban la calidad del arte presentado en museos. De facto, opinó, son necesarias estructuras más abiertas. El término museo de arte »contemporáneo« es en sí oximorónico , ya que »lo que hoy es nuevo, mañana ya será viejo«. Un sentido importante del museo en el mundo del arte, ve en la capacidad de proporcionar contexto. Helguera también incluyó un breve reporte sobre un simposio en México »Ficción dentro y fuera del museo«, que acababa de organizar. En él se analizaron entre otros, los temas: »1) el museo como un lugar necesario para rebelarnos en su contra; 2) artistas, que incorporan el 'contexto' del museo en su propia obra; 3) el museo como un Disneyland cultural (o Disneyland como un museo aculturado); 4) el museo después de perder su sentido de asombro, fenómeno que se hallaba en sus orígenes.«


Curadores, interpretación de otras culturas

Una y otra vez fue tema en el foro el quehacer curatorial como parte del circuito artístico. Sobre todo los artistas criticaron en varias ocasiones el poder de los curadores, preguntando si el no tener en cuenta cierto arte no es acaso un mecanismo de exclusión, que tiene que ver con censura. Un comentario de Christy Sheffield Sanford en otro contexto del debate ya había adelantado una explicación al respecto: »Pienso, que muchos curadores dependen demasiado de sus redes de contactos. Aparentes tácticas de exclusión no son a menudo ni siquiera tácticas. La gente en definitiva no se toma el tiempo o no invierte el esfuerzo en buscar nuevas voces.«

Juan José Díaz Infante preguntó luego: Es un curador por definición un examinador, un guardián del arte, un supervisor de comunicación? Pablo Helguera encontró que el rol del curador es visto a menudo en forma demasiado negativa. »Curadores al igual que museos... son necesarios, para sortear el abismo de comunicación que existe frecuentemente entre el artista y el público.«

Britta Erickson retomó el tema un mes más tarde, siendo de la misma opinión: »Curadores pueden ser útiles tanto al artista como al público, si actúan como efectivos abogados para los artistas e intérpretes para la audiencia. Deben estar en condiciones de realizar esto en una forma no intrusiva, para no interponerse entre el público y la experiencia directa de la obra. Y el curador o crítico debería ser capaz de aclarar a la audiencia el proceso que dio origen a la obra, en el caso de que dicho proceso sea esencial para la comprensión de la misma.«
La pregunta de cómo puede acercársele al público determinadas obras es para Erickson de especial interés, ya que ella escribe en inglés sobre arte chino para un público angloparlante. »Esto me pone en la cuestionable posición, de interpretar una cultura dentro de la cual no he nacido.« Sin embargo opinó que es capaz de ello, oponiéndose al punto de vista de un crítico chino, que había escrito en un artículo, que los occidentales no pueden entender el arte chino. Erickson le había enviado una respuesta de la cual citó algunos pasajes.

Raul Ferrera-Balanquet complementó el tema: »Lo que me fascina de los 'buenos curadores' es su habilidad de percibir conexiones profundas entre obras de diferentes artistas y culturas« , para lo cual nombró como ejemplo al curador de video y film Mark Finch. Las preguntas que enunció respecto del trabajo de Eriksson, son a la vez de relevancia general: »Eres consciente de que en el proceso de traducción surge una nueva interpretación? Cómo conciertas tus traducciones, cuando sabes que los puntos de referencia socio-lingüísticos y culturales pueden ser malinterpretados o perdidos durante el proceso? ... Cuando haces las traducciones, hablas sobre el objeto, o el contexto dentro del cual el objeto fue creado, o la historia que circunscribe el objeto, o las experiencias sico-emocionales del creador del objeto?«

Ya en relación a la descripción de la estrategia de Ofili de Olu Oguibe había polemizado Beral Madra, que es también curadora, en contra de un fenómeno que observa tanto en el trabajo de los artistas como en el de los curadores: »Como en el caso de Ofili, hemos visto ya muchas veces la historia de 'utilizar artistas no occidentales para atraer la atención'. Desde los comienzos de los '90 los 'artistas emigrantes perspicaces' han comprendido que los tiempos eran favorables para ellos, han descifrado los requerimientos de la industria de arte contemporáneo, comenzando a producir obras que metafóricamente reflejaban los deseos y opiniones de los espectadores occidentales respecto del No-Occidente. Y vice versa, desde algún tiempo los curadores están descubriendo escenas de arte remotas para utilizarlas en satisfacer sus EGOS. Analizado y discutido apropiadamente, este síndrome de 'exposición no-occidental por curador occidental' es tan escandaloso como el evento ' Sensation'«. Como ejemplos nombró a la Bienal de Israel en Jerusalén, curada por Kasper König y la Bienal de Estambul de Paolo Colombo. En los simposios alrededor de estas bienales no se trata nunca estas delicadas cuestiones, sin embargo gracias a Internet es posible ahora, discutir el problema en un marco más amplio.


Curar y exhibir en el WWW

A partir de que Christy Sheffield Sanford presentara su proyecto »My Millennium«, preguntó Pat Binder »si es que debieran existir modalidades específicas de curaduría y exposición en la red. Tiempo on-line es caro, por lo el público apenas se lo toma para recorrer las obras en profundidad.« Pero justamente porque el público proviene de diferentes partes del mundo es especialmente importante incorporar informaciones de contexto sobre los autores y obras. Sheffield Sanford complementó, que uno podría »pedirle a los involucrados, detallar aspectos técnicos y artísticos de sus obras en párrafos introductorios.«

Janet Swartz intervino refiriéndose a una conferencia de Benjamin Weil, director de Nuevos Medios en el ICA de Londres y co-fundador de Äda'web, que dio en el Museo de Monterrey en México. Weil fue el curador de la 2a. edición de los »Recorridos: Propuestas temáticas en Internet sobre arte «, un proyecto de la mediateca del museo. Bajo el título »Readme.txt - Explorando el arte en línea: Una revisión de varias tendencias en proyectos de arte para la Red« publicó un ensayo, con imágenes y links referidos a proyectos artísticos en la red. Este trabajo puede visitarse desde la página del Museo de Monterrey en inglés y español.

Raul Ferrera Balanquet, actualmente en México, criticó en el proyecto del Museo de Monterrey »la ausencia de arte en red mexicano, latino y latinoamericano, a pesar de que el curador hubiera expresado su fascinación por el grado de difusión tecnológica que había constatado en las zonas rurales de México.«

Juan José Díaz-Infante subrayó el comentario de Raul diciendo que ello »denota el complejo de que únicamente lo importado es bueno. Es el complejo de la relación 'industrial' entre el primer y tercer mundo.« Y concluyendo: »... Un curador de cualquier centro artístico de Londres, no va a ser capaz nunca de aprehender siquiera una cultura, que ya por la mera realidad cotidiana sobrepasa ampliamente su nivel de entendimiento, simplemente por el hecho de que le falta el marco de referencia para decodificar nuestro arte.«

En el apéndice de esta síntesis encontrará una lista de proyectos en la red sobre los que se informó en el transcurso del foro. En la mayoría de las contribuciones, los curadores y artistas informan sobre sus experiencias concretas en la realización de los mismos.


Arte chino

En diciembre de 1999 hubo un interesante diálogo sobre arte chino entre Josette Balsa y Britta Erickson, del cual participaron también otros miembros de la lista. Para aquellos interesados en el tema, en las respectivas contribuciones se hallan valiosas reflexiones e informaciones. Se trató entre otros temas la obra de Gu Wenda y Xu Bing. [Vea entre otros Balsa /16.12., Knote, Erickson / 20.12., Balsa / 22.12., Erickson / 22.12.]


Esencia del arte

Durante los meses aquí resumidos, hubo un continuo y por momentos controvertido intercambio de ideas sobre la »esencia del arte«, que en el mes de diciembre fue tratado en particular. En realidad este tema merecería un foro de discusión especial. Sobrepasaría el marco de esta síntesis, el tratar de reseñar las múltiples facetas y ramificaciones de este debate. Por ello a continuación solamente unos puntos clave:
Entre otras cuestiones se hizo referencia al arte como juego, como mentira, mito o acción. También fueron discutidos las relaciones entre arte y comunicación, así como entre arte y política (por ej. cuán político es el arte). Otro cuestionamiento fue, en qué medida el arte puede ser »entendido« y por quién.

Un comentario de Tom Vincent pone de manifiesto lo difícil que es aprehender un tema tan amplio, que vale la pena citar aquí como conclusión: »No estoy seguro, si es que existe la posibilidad de comprender real y verdaderamente, en especial algo tan resbaladizo que llamamos 'arte'. Tal ve lo único que podemos es 'hacer' y luego 'hacer' más - tratando de permanecer con los ojos abiertos, atentos a lo que no esperamos encontrar, luchando en dirección que pueda traernos 'satori'.«
[Satori - iluminación en el Budismo y en el Zen: la aprehensión absoluta de la verdad y la esencia del universo y la existencia humana]

Vea entre otras las sig. contribuciones: Díaz Infante / 8.10., Díaz Infante / 8.12., d'Alpoim Guedes / 10.12., Davin / 12.12., Díaz Infante / 12.12., d'Alpoim Guedes / 13.12., Vincent / 13.12., Ferrera-Balanquet / 13.12., Díaz Infante / 14.12., Braumüller / 14.12., d'Alpoim Guedes / 15.12., Vincent / 15.12.


Vea también la Lista de proyectos presentados e informaciones.


Síntesis: Gerhard Haupt

©  Casa de las Culturas del Mundo, enero del 2000


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